La importancia del arte (ACABADA)

Voy a usar esta entrada para divagar sobre la importancia del arte. Ha sido mencionada por uno de los compañeros del máster, aquí su Blog: Juan, el psicólogo de clase.
Aviso: puede que la entrada sea larga y aburrida. (Que lleva esto como cuarenta visitas, esto es una locura ☻☺☻)

El arte está en nuestra vida, hoy en día más que nunca. Si bien esto es un hecho objetivo, la palabra arte, o la propia calificación de una intención estética o una acción de "arte", está muy gastada. Ha perdido su significado, o más que perderlo, ha mutado. En clase tenemos apartados en la materia como "El arte de enseñar", al maquillador/a de trabajos elaborados se les llama artistas o al pintor que emplea pólvora para llena el lienzo se le ha llegado a exponer en el Museo del Prado (Cai Guo-Qiang). Sin embargo, ¿qué parámetros hace que podamos decir que algo es arte?

El  debate existe desde que la sociedad está en el mundo. Calificamos la pintura rupestre de manifestación artística, situándolo al mismo nivel que un urinario inútil, La Fuente de Marcel Duchamp (1917). Y desde luego, entre medias, tenemos a individuos como Miguel Ángel, Bernini, Goya, Chaplin, Picasso o Dalí. Hoy cualquiera participa en la disputa. Una persona poco interesada en conocer, ya no sobre arte (que lo diré luego, saber de arte es saber de muchas cosas que no te interesan nada de nada), sino en no conocer en general, se para delante del Guernica (1937) de Picasso, y piensa: "Esto lo pinta mi sobrino de cinco años". Quizá este ejemplo esté particularmente consagrado como para que alguien lo critique de esta manera, pero desde luego todos estaremos de acuerdo que si no lo hemos pensado, conocemos a alguien que lo hace. 

Contexto histórico ¿De donde viene eso de "arte"?

GRECIA

En la carrera comenzamos con la base de todo el arte occidental Europeo, y que gracias a la colonización americana (y parte de la asiática) es prácticamente el fundamento de nuestra cultura: Grecia (realmente empezamos con la base de la propia Grecia, pero no viene al caso). En Grecia las artes estaban claramente divididas: artes mecánicas y liberales. Tienen varia subdivisiones, pero no pretendo reescribir mis apuntes de teoría del arte. Esta división es importante, de ahí viene nuestra actual concepción de lo que es el arte. Antes de revelar en cual de los dos apartados se encuentran nuestras idolatradas pintura y escultura, adivina.

No están en las liberales, son mecánicas. Las liberales son: la gramática, la retórica y la dialéctica (o lógica). Las mecánicas son: la pintura, la poesía, la escultura, la danza y la música. Pero no todas agradaban igual. Las artes mecánicas son las que requieren habilidad, y su valoración no tenía de su calidad. Uno podía hacer la peor escultura de la historia, un dios amorfo sin nada de inspiración, pero si lo hacía de oro, ya era la mejor escultura de su tiempo.

Lo que los griegos realmente idolatraban era la naturaleza. Sus dioses son la naturaleza, tanto del entorno, como la del hombre (aquí un ejemplo). Todo lo que la copie, la modifique, o la evite; es de peor categoría. Así que podemos imaginar cual es la situación de nuestras bellas artes en esta situación. La imitación de la naturaleza determina cómo hemos clasificado el arte en toda la historia: Arte Clásico o Arte NO Clásico. Luego a partir de 1900 la cosa se va de madre. 

¿Cual es el arte clásico?: Grecia y Roma, el renacimiento, el neoclásico, y en Europa ya está. Imita la naturaleza.

¿Cual es el arte no clásico?: El gótico, el barroco, el romanticismo y todo lo que se inspire en la naturaleza, pero la modifique.

A partir de 1900 viene la abstracción, y ya la naturaleza se pierde. 

                       Conclusión de Grecia: si no quieres leer lo anterior, con esto vale

Si la base de nuestra sociedad es Grecia, y ellos idolatraban la naturaleza, ¿qué cabida tiene aquello generado por el hombre, es decir, las artes y las artesanías? Pues para ellos poca. Esto va a ser así hasta finales del renacimiento, cuando lo cambie gente como Da Vinci, Miguel Ángel o Alberti. El mejor pintor de la Edad Media, estaba en la misma categoría y clase social que el mejor zapatero. Esto es algo que se queda con la pintura, la escultura y todo aquello que queráis llamar arte, menos la arquitectura, hasta el s. XVI. 

DE LA EDAD MEDIA AL RENACIMIENTO

Aquí Orsanmichele con el gremio
de escultores trabajando en el friso

No me veo capaz de ignorar la Edad Media en este proceso, aunque el cambio  significativo que ocupa esta entrada se desarrolla a  partir de la Edad Moderna y dará pasos agigantados desde el Renacimiento hasta hoy en día. si bien son de 10 siglos de etapa histórica, tan solo diré que la concepción de las artes no varía. Todos hemos oído hablar de los gremios medievales y los barrios donde se situaban, hoy varias calles de nuestras ciudades y pueblos tienen los nombres de los profesionales que antes las ocupaban. Dos ejemplos: una de las puertas de la catedral de Burgos es llamada "La puerta de la pellejería" por el gremio que la patrocinó y ocupaba los alrededores, y la iglesia de Orsanmichele de Florencia, más conocida por las esculturas de Donatello; promocionada por los gremios comerciales. Aquí viene la famosa figura del mecenas.

¿Por que llamamos arte a la pintura la escultura y arquitectura?

Llegados a este puto repito, las artes eran artesanías. Actividades mecánicas sin valor expresivo o metafísico. En el renacimiento llega el humanismo y un gran desarrollo de la ciencias alejadas de la religión. El primer foco fue Florencia, y aunque parezca mentir,a luego lo fue Roma, con foco en el Vaticano. 

Voy a dejar una opinión personal. Da Vinci hacía muchas cosas (libros de modales, de cocina..) pero pocas bien. Incluso me atrevo a decir que, aunque fue un gran dibujante como refleja su inacabada Batalla de Anghiari (aquí la reconstrucción que hizo Rubens), no fue tan buen pintor. Sien embargo tuvo una gran aportación al mundo del arte y es la revalorización de la pintura. Las artes plásticas, especialmente la pintura y la escultura eran denostadas como actividades intelectuales ya que eran desarrolladas con las manos. 

Para ser noble, no podías haber trabajado nunca con las manos, y no había nadie más listo que los nobles. Todos aspiraban a serlo, así que haber pintado o esculpido te impedía acceder al estamento. La arquitectura se salvó pronto, diseñar un espacio útil, en el lugar apropiado, de la manera correcta, y con los elementos ideales para conseguir transmitir algo con ese espacio, pasó enseguida a ser una actividad intelectual. Sobre todo, cuando los arquitectos dijeron que ellos no construirán ,solo diseñaban. La arquitectura se consagra como arte puro, agradecédselo al artista Leon Battista Alberti.

¿Que pasa con la pintura y la escultura? Todos los artistas renacentistas odiaban pintar, y eso que Leonardo y Miguel Ángel han pasado a la historia por ello, pero lo odiaban. Leonardo no terminó un solo trabajo, y encima le terminaron expulsando de Italia para morir en Francia. Lo de Miguel Ángel fue más complicado, trabajó para Julio II, el Papa guerrero, y quería hacerle una macro tumba de la que hoy quedan solo vestigios como sus esclavos o su Moisés. El Papa le obligó a pintar la consagrada Sixtina. El artista se cargó sus propias pinturas varias veces y hasta huyó de Roma refugiándose en Carrara, donde había aprendido a labrar la piedra. Para conocer más de este famosos conflicto recomiendo El tormento y el éxtasis, una película increíble sobre la Sixtina y su proceso. Charlton Heston está genial como Miguel Ángel. 

Otro día haré una entrada sobre Miguel Ángel, porque fue un personajazo.

Retomando, odiaban pintar. Pero tenían que considerarse intelectuales, entonces el arte pasó a ser la expresión de las ideas platónicas, el reflejo del mundo divino, la máxima expresión de la mirada oculta del hombre... Se llevo a terreno intelectual defendiendo que el trabajo manual era algo menor.

¿Y la escultura? Es más complicado explicarlo en un texto más divulgativo como como este (lo es, lo prometo, en la carrera esto se ponía mucho más feo). 

Última parte del contexto: El arte contemporáneo

Ya acaba todo este contexto. El arte contemporáneo gracias a los artistas bohemios de París a principios de siglo. La mayor ruptura es este cuadro, y sólo con su comentario espero que quede claro por qué la abstracción rompe todos los esquemas. 

No creo que conozcáis esta pintura. A mi no me gusta nada, pero es un antes y un después, aunque no lo parezca. El significado subyacente me recuerda mucho a Las Meninas, más que nada, porque a menos que sepas que mirar o ver, no te enteras de lo fuerte que es lo que está pasando en el lienzo. 

Esta pintura se llama Visión tras el sermón, al pintor lo conoceréis: Paul Gaguin. Espero que al menos el nombre os suene. Voy a tratar de explicarlo. Lo que aparece en el cuadro son: un grupo de mujeres, un animal, un árbol y un ángel con un hombre. Hasta ahí vemos todos. El título es importante, lo que vemos es una visión tras la misa a la que esta mujeres asistían. Sabiendo que lo que están sufriendo estas mujeres es una experiencia metafísica quizá explique el fuerte color rojo del fondo, la ausencia de perspectiva que construya un espacio y por qué los personaje menos detallados son los de la derecha.

El árbol está por algo. Primero, es una linea diagonal, y aunque parezca mentira, aporta dinamismo. Cualquier diagonal aporta inestabilidad, dinamismo, movimiento en una obra de arte...  Pero no sólo hace que la pintura sea más atractiva gracias a este dinamismo reforzado por el estridente color rojo, sino que también cumple una función más compositiva: separa el mundo terrenal del metafísico. Ellas están delante, son las protagonistas, tienen una visión, no importa que ven, importa su experiencia compartida. Tienen los ojos cerrados, pero están teniendo una visión, es una experiencia extrasensorial. Pero hemos visto antes en a Historia del arte cosas bastante metafísicas, ¿en qué se diferenciar? Pues no sólo en e juego compositivo que he intentado resumir, sino que al mismo tiempo que trata de representarse aquí en la tierra, contiene colores que no son de este mundo, con una escena fuera de este mundo, en una situación tan rutinaria para una persona de finales del s. XIX como es salir de misa.

¿Cual es el siguiente paso?

Creo que se ve cómo la cosa va perdiendo naturalismo. Ésta no la voy a explicar, pero hay unas pelis muy guays sobre Van Gogh. Pero dejo una curiosidad: cuando este pintor usa azules y negros, era cuando más deprimido y enfermo estaba. Esta pintura la hizo internado en una institución mental tras cortarse el lóbulo de la oreja (que no toda). Cuando más contento estaba, colores más cálidos empleaba. 

Pero esto no es abstracto del todo todavía. ¿Y la pintura que pongo a continuación? ¿Te parece más abstracta? (Es el carguero negro de Dufy)

Aquí ya estamos llegando a ese tipo de obras de "Esto lo hace mi sobrino". Pero no es abstracción. La abstracción la inventaron los cubistas (y los futuristas).  Pero en el saber popular se conoce más a Picasso que a Boccioni (el cuadro muestra la aerodinamicidad de un cuerpo humano). 

No sé si sabéis que trata de hacer el cubismo en la pintura. Lo resumo por si acaso. El cubismo tiene dos fases: cubismo analítico y sintético. El primero es el que más gusta a la gente, es el más figurativo. Pero el analítico, pues vedlo vosotros mismos, ¿veis a la persona retratada?:

El cubismo aspira a representar la realidad. Algo curioso atendiendo al cuadro de arriba, pero era la intención. Pero si quiere captar la realidad, ¿por qué no se parece más a la Mona Lisa? Porque quiere retratar TODA la realidad. Quiere poner el retrato de frente, de lado, de arriba, de abajo, de diagonal, de dentro, de fuera... Si cuando en el renacimiento descubrieron cómo hacer la perspectiva tridimensional casi les explota la cabeza, imaginad cómo estaban los puristas del arte cuando se intentaba disponer todas la realidad. Picasso, Braque y Gris, los más importantes cubistas, rompieron los límites de la figuración. Y luego ya Picasso rompió el límite entre escultura y pintura metiendo el asiento de una silla de rejilla. 

Una vez roto el límite de la perspectiva y las figuras, queda romper los esquemas con el color. Ahí entran Kandinsky y Klee. Seguro que el primero es conocido. Ambos se dedicaron a experimentar cómo el color transforma la realidad y la percepción del espectador. Entre lo que hizo Picasso, y lo que hizo Kandisnky, hay una transición, se llama cubismo órfico. Es muy bonito. Las mateáticas, los estudios de la luz y el color que llevan detrás no os los puedo ni explicar yo, que como ser de letras puras, lo más técnico / matemático se me escapa, y para un resúmen no pega.

Aquí pongo una de mis pinturas favoritas de Kandinsky:

Este cuadro se llama Algunos círculos. Aquí todo está estudiado, desde el tamaño de cada círculos, hasta el tono en el que se hace cada forma, incluso la sensación que el tono intermedio de la intersección de los círculos provoca. Es una pena explicar ate sin el cuadro delante, encontrarse según que obras con su tamaño o entorno es algo que las afecta muchísimo.
La posición de los círculos. ¿No os da la sensación de que los círculos flotan? Por qué es eso, no vemos ningún espacio, nada que esté en el suelo con lo que pensemos que flota; ¿y no os parece algo más cercano al espacio exterior que a canicas en una mesa, por ejemplo? Pues porque los círculos más grandes no están en el centro, a demás son un gran círculo azul y otro negro que parece que se va a salir de sus límites. A demás para remarcarlo tiene un cerco blanquecino en su contorno. El resto de formas se sitúan sobre un fondo azul oscuro apartado de los trazos blancos que provocan gran parte de esa inestabilidad, de esa indefinción de espacio.
En resumen, con unos círculos consigue crear una sensación. Esto hasta ahora, era impensable.

Este concepto evoluciona y pasamos a las alfombras para niños pequeños:

Esta pintura, Brodway Boogie Woogie, de Mondrian del movimiento llamado "neoplasticismo". Continúa la estela del tipo de estudio de colores y formas que hacía Kadinsky. ¿Recordáis lo de que la diagonal daba movimiento? Este pintor tenía como pecado capital la existencia de la línea diagonal.

(Pequeña pausa, justificación de mi carrera) *está entre paréntesis porque es un paréntesis en la entrada.

Paremos un segundo, subid hacia arriba tres o cuatro imágenes. Menudo cambio.
Vamos a hacer un pequeña pausa para ver qué ha pasado entre la pintura de una ciudad y estos cuadrados de colores.
Los historiadores (de historia) utilizan el arte como herramienta de ilustración para enseñar cómo se veía o la manera en la que se pensaba en una época determinada. Los historiadores del arte vemos las obras de una manera un poco distinta. Desde luego, son el resultado de un época: son como son porque las hicieron quienes las hicieron cuando las hicieron. Pero nosotros vemos algo más... metafísico. Vemos una expresión, una intención, una relevancia que eleva a las obras más allá del simple reflejo de una época. Si no creéis que el arte es tan importante, preguntadle a un tal Stendhal.

Fin de la pausa

¿Que ha pasado entre Van Gogh. que entendemos lo que vemos, y Mondrian? No poco, dos guerras mundiales, una revolución rusa, el Crack del 29... No es poco. Y la I Guerra Mundial fue una ruptura importante en el mundo, desde luego. Aquí una prueba gráfica.

Entonces en el s.XX vamos a ver dos líneas artísticas: la abstracta y la expresiva. (Esta división es para que nos entendamos, es muchísimo más compleja) Surgen cincuenta mil millones de movimientos y os resumo la línea general que siguen.

Estos grabados (un grabado es un dibujo en una plancha para que se pueda imprimir varias veces) pertenecen a Otto Dix, un militar que tras volver de la guerra se hizo artista protagonizando un movimiento que se llamó Nueva Objetividad, una nueva visión del mundo. Yo creo que en estas imágenes tan potentes se ve una expresión. Esto se exageró más.
                            


Por orden: Madre muerta de Schiele, El Grito de Munch y Dos esqueletos luchando por un arenque, de Ensor. ¿Que tienen en común una madre muerta embarazada, un ataque de ansiedad ante el paisaje, y dos esqueletos de dos bandos de la guerra luchando por comida? Pues una visión lúgubre y caótica del mundo en el que viven, en el que no merece la pena vivir y que está muerto. Que bajón.
Pero seguro que apreciáis que la pincelada es muy gorda y suelta, que casi no hay nada en la composición excepto los protas. Si sabéis que hay guerra, crisis y hambruna, con los títulos podéis adivinar la intención del autor. La expresión puede entenderse.
Pero entended esto a simple vista:

La abstracción no es tan fácil la verdad. El cubismo de Picasso fue el primer paso, luego se pensó que el color tenía propiedades por sí mismo. Todos sabemos que los colores cálidos transmiten calma, los fríos son más triste, los intensos más violentos... Entonces, como os decía con Mondrian, las formas dan inestabilidad o inestabilidad.

Pues aquí entra la Revolución Rusa y el régimen comunista. Toda ideología tiene una estética, todos reconocemos una igelsia, un ayuntamiento, asociamos una swastika al nazismo, las curvas sinuosas de las suras a una mezquita... Pues cuando se instaló la URRSS eligieron un movimieto llamado Sprematismo.

Un movimiento que se dedicó a sintetizar el mundo y las formas, hasta dejarlos en simples colores y cuadrados. El mayor exponente, fue Malevich. El autor del cuadro de arriba. Esa síntesis de color y formas lleva al tipo de cuadros. El cuadrado negro, paralelo a la base, estable, firme, negro sobre blanco siendo una combinación de colores neutra. El rojo, inclinado, en diagonal. Dinamismo, a demás rojo, color violento, no deja indiferente, destaca, molesta en la estabilidad del cuadro. A Mondrian le hubiera dado algo. Los dos últimos pasos que llevan a la abstracción pura. Nunca vais a ver nada más abstracto (que tenga sentido) que estos dos cuadros:





Un cuadrado negro sobre un fondo blanco, y un cuadrado blanco sobre un fondo blanco.
Esta es la mayor síntesis del mundo que jamás se ha hecho. Un artista que ha vivido unos cambios tan convulsos como los del primer cuarto del s.XX da muestra de su visión con esto. Ha estudiado todas las variedades de la pintura, la figuración, la abstracción, ha experimentado con todos los colores y formas... Y ve que la mayor síntesis del año en el que termina la I Guerra Mundial es un cuadrado blanco sobre un fondo blanco.

He tratado de explicar como plásticamente no puede haber nada más sencillo, al mismo tiempo que es una intención estética imponente. Esto es lo más complicado del arte literalmente. Si he conseguido que lo entendáis un poquito me conformo.

Importancia del arte

Siguiendo la línea que más o menos cronológica que he trazado. Qué se lleva hoy en el arte, por qué es importante. Me refiero a la importancia del día a día, no a los ricos que lavan dinero con las fundaciones artísticas (que para eso se hacen por cierto), o qué le importa al investigador de los cristos de papelón filipinos (que se pusieron muy de moda en el s. XVII pero hoy no nos dicen mucho). Hoy en el arte se lleva comunicar y expresarse. Y sentir, sentir mucho.

Si alguna vez vais a alguno de nuestros grandes tesoros patrimoniales en temporada baja y podéis estar solos en alguna maravilla creo, que se entenderá a lo que me refiero. ¿Alguna vez habéis estado en la mezquita de Córdoba? Los musulmanes no solo construían con ladrillo y adobe, construían con plantas, agua y jardines. Ir a esa mezquita en primavera (no en Semana Santa que se llena) cuando los jardines de la mezquita huelen a azahar, está vacía y puedes oír el silencio del lugar, perderte entre la secuencia de arcos con los efectos de luz que trabajaban ellos... Eso hace sentir, crea una atmósfera.  

Como ese ejemplo, muchos. En la producción artística de hoy se lleva vender bastante el cuento, desde mi perspectiva. Hay muchos artistas con bagaje, intención y calidad, desde luego. Pero, también hay vendehumos a puñados. ¿Entonces que les mueve a crear obras (a parte del dinero)?

Pues si pintáis, escribís, o diseñáis edificios, que alguien en clase hace alguna de estas cosas, entenderéis un poco a donde quiero llegar.

El arte es importante porque es un medio de expresión que de ninguna otra manera se podría hacer patente. Tu manera de escribir o dibujar puede llegar a decir más de ti que lo que has escrito o dibujado. Y eso que el tema dice mucho. 

Y aunque seas nulo en practicar alguna disciplina artística, puedes experimentar la de otros. Meterte en un edifico y flipar, ver una pintura y agobiarte, ver el David y que te de un Stendhalazo... Por eso es importante. Muchos van al cine a desfogarse, o leen un cómic para tener algo más ligero, los creyentes visitan la iglesia a menudo... Por eso es importante el arte.

Como final de la entrada voy a dejar mi propia aportación. Mi propio granito de expresión, que a día de hoy, a poco de tener la última sesión de la asignatura, me puede ayudar a cerrar el módulo. 

Este es uno de mis dibujos. No tengo tele en el piso y donde suele estar la tele tengo esto, que de tamaño es parecido. Pues aquí lo dejo.

Muchas gracias a todos por leerlo y dejarme tantos comentarios. Me ha hecho una ilusión tremenda ver que os ha gustado esta entrada, y me alegra haber podido acercaros un poco algo que me ha apasionado tanto siempre.

☻☺☻MUCHAS GRACIAS ☻☺☻